COSAS de ARQUITECTOS

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Álvaro Siza – Su obra completa 1952-2013

14/04/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández Deja un comentario

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Construir es algo más que hacer croquis. Álvaro Siza

En una entrevista concedida para este libro, Álvaro Siza se lamenta de que la Arquitectura ya no fuera lo que había sido. “Antes podía hablar con los trabajadores y discutir los detalles con ellos – afirma -. Antes, los Arquitectos y los Constructores podían trabajar juntos y hablaban el mismo idioma. Todo eso se ha perdido. Ahora tienes un director de proyecto que, en ocasiones, tiene más poder que el Arquitectos. Creo que eso explica la mediocridad de la mayoría de la Arquitectura de hoy en día. Construir un edificio es algo más que hacer croquis”

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Ganador el Premio Mies van der Rohe (1988), del Premio Pritzker (1992), del Praemium Imperiale (1998) y, más recientemente, de la Medalla de Oro 2011 del UIA, Álvaro Siza Vieira es uno de los arquitectos vivos más importantes de la actualidad. Nació en 1933 en Matosinhos, en las afueras de Oporto, y ha permanecido fiel a sus raíces portuguesas.

Ahora gracias a la editorial Taschen podemos disfrutar de toda la obra de este gran maestro de la Arquitectura contemporánea y de todos los tiempos. Una edición de gran formato y especialmente cuidada, en la que podemos adentrarnos en su Arquitectura gracias a las exquisitas imágenes, acompañadas de los planos arquitectónicos, así como de los propios dibujos y croquis del Arquitecto.

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Podemos recorrer el trabajo de Álvaro Siza desde sus comienzos, hasta la actualidad. Nos adentraremos en cada uno de los edificios del gran Arquitecto, en un viaje alrededor del mundo, desde sus comienzos en Portugal, hasta las obras realizadas en Bélgica, Brasil, España, Corea del Sur, Holanda, Alemania, Suiza, e Italia.

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el cuidado de la edición se muestra en el propio embalaje del libro
 
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“He dibujado desde que era un niño –explica-. Quería ser escultor, pero eso no resultaba realista para mi familia. Decidí inscribirme en la Facultad de Bellas Artes, donde se impartían tres especialidades: pintura, escultura y arquitectura, que durante los dos primeros cursos se enseñaban de forma simultánea. Mi intención era cambiar sin hablar del asunto con mi familia, pero la arquitectura me interesó vivamente. Dibujar, ya sean paisajes, retratos o bocetos de viajes, siempre me ha tenido ocupado. No creo que esto tenga una relación directa con la arquitectura, pero es un modo de desarrollar la agudeza visual. En portugués hay dos términos diferentes que significan “mirar” y “ver y comprender”. La herramienta de la arquitectura, es la capacidad de ver. Recuerdo haber leído un texto de Alvar Aalto donde decía que cada vez que un proyecto se atascaba, se paraba un momento y dibujaba sin intención específica. En ocasiones, de este ejercicio surgían ideas que le ayudaban a solventar el problema. Existe una relación que no es directa” Álvaro Siza

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Álvaro Siza. Complete Works 1952-2013
Autor: Philip Jodidio
Nº de páginas: 500 págs.
Encuadernación: Tapa dura
Editorial: Taschen
Lengua: Español, Italiano, Portugués
ISBN: 978-3-8365-2172-7
Link: Álvaro Siza. Complete Works 1952-2013
 

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Los 10 Blogs de Arquitectura más influyentes

09/04/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández 59 comentarios

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Nuevamente Ebuzzing ha publicado el ranking de influencia de los más prestigiosos blogs de Arquitectura en lengua castellana. COSAS de ARQUITECTOS se consolida en la segunda posición por tercer mes consecutivo y lo que más nos llena de orgullo es asentarnos en este podium junto con dos prestigiosas revistas de Arquitectura: Tectónica y Arquitectura Viva.

Este sería el Top 10 de Blogs de Arquitectura:

1 – Arquitectura Viva

http://www.arquitecturaviva.com

2 – COSAS de ARQUITECTOS

https://www.cosasdearquitectos.com/

3 – TECTÓNICA blog

http://tectonicablog.com

4 – Stepien y Barno

http://www.stepienybarno.es/blog

5 – Del tirador a la ciudad

http://blogs.elpais.com/del-tirador-a-la-ciudad

6 – La Ciudad Viva

http://www.laciudadviva.org/blogs/

7 – Diario Design

http://diariodesign.com/

8 – Múltiples estrategias de arquitectura

http://www.santiagodemolina.com

9 – METALOCUS blog

http://www.metalocus.es/content/es/blog/all

10 – Obras Web

http://www.obrasweb.mx/

 

Ebuzzing publica mensualmente un ranking de influencia de los blogs a nivel global y es posiblemente una de las mejores referencias para medir la relevancia en su sector que tiene cada blog a nivel mundial.

Si queréis conocer más información sobre cómo están calculados los parámetros que determinan la influencia de cada uno de los blogs de arquitectura aquí presentes, así como si queréis ver el resto de blogs que compondrían el Ranking completo podéis hacerlo pinchando aquí

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Retratos de Arquitectos – ARCHIPORTRAIT por Federico Babina

02/04/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández 1 comentario

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La nueva serie de ilustraciones arquitectónicas de Federico Babina nos trae una representación de la personalidad de los principales arquitectos reflejadas a través de la personalidad de su arquitectura. En ARCHIPORTRAIT cada Arquitecto es representado por su arquitectura, las 33 ilustraciones que componen esta serie artística nos narra una pequeña historia que conforma el retrato de cada arquitecto a través de las formas geométricas de su arquitectura.

Así nos vamos a encontrar con los retratos de arquitectos tan importantes como Alvar Aalto, Mies van der Rohe, Oscar Niemeyer, Le Corbusier, Luis Barragán, Antoni Gaudí, Frank Lloyd Wright…, así hasta 33 retratos de los más famosos arquitectos.

Según nos cuenta el propio Federico Babina: “Estudié las caras y la arquitectura de algunos de los protagonistas más conocidos de la arquitectura contemporánea para ser capaz de hacer un retrato. Ser capaz de diseccionar y divisar los aspectos de los proyectos para seleccionar las características ocultas. La intención es mostrar la semejanza, la personalidad e incluso el estado de ánimo del protagonista a través de su estética.

Un retrato es como el espejo del alma. La idea es resumir en una sola imagen el arquitecto y su obra. Las formas y geometrías que están diseñadas por el arquitecto se convierten en los elementos que elaboran su rostro. Una metáfora de la arquitectura, en donde cada pequeño detalle es un componente clave de todo el mosaico.

Cada arquitectos es su arquitectura, y en mis ilustraciones, cada arquitecto se materializa de su arquitectura”

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La belleza de la desnudez – Casa NA de Sou Fujimoto

01/04/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández 4 comentarios

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Hace poco os comentaba la noticia sobre el proyecto el «árbol blanco» de Sou Fujimoto y me quedaba con las ganas de poder hablar acerca de una de las obras de viviendas unifamiliares construidas en estos últimos años: la Casa NA, también de este mismo arquitecto. Una vivienda exhibicionista, que muestra sin pudor la belleza de su desnudez, liberada de cualquier tipo de ornamento.

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Hay algo profundamente místico en esta casa que me llama poderosamente la atención, la idea de lo primigenio, de la cabaña primitiva, de la vida en los árboles para protegernos, antes de adentrarnos en las frías y húmedas cuevas. La sensible atmósfera de la naturaleza críticamente insertada en el centro de la ciudad.

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En palabras de Sou Fujimoto «El punto intigrante de un árbol es que sus lugares no están herméticamente aislados, sino que se conectan unos con otros en una única realidad. Escuchar las voces de otras personas dentro de esta estructura, esta es la riqueza de los momentos que se producen a través de este denso espacio vital»

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La Casa NA representa a una arquitectura de carácter social, en la que se eliminan las fronteras entre la sociedad y el individuo. La idea del «bosque», tan característica de la Arquitectura de Sou Fujimoto, se presenta con increbantable firmeza. La Casa NA es un árbol habitado dentro de este bosque urbano, sus diferentes plataformas surgen a distintos niveles y nos permiten el juego de saltar de «rama en rama» entre lo que serían los diversos espacios de la vivienda.

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Esta disolución de las fronteras entre lo público y lo privado es un concepto radicalmente moderno, la nueva forma de sentir la sociedad, de las relaciones entre los individuos desde la aparición de las redes sociales, se deja sentir en este tipo de arquitectura. Lo que vuelve a reafirmar que «la arquitectura debe ser la expresión de nuestro tiempo», según expresaba Le Corbusier.

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Todas las Fotografías que aparecen han sido realizadas por Iwan Baan

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Casa NA – Plantas de los diferentes niveles de la Vivienda

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Casa NA – Secciones de la Vivienda

Datos Generales:
Obra: Casa NA
Arquitecto: Sou Fujimoto
Ubicación: Tokio, Japón.
Superficie: 86 m2
Año: 2010
Fotografías: Iwan Baan

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Una Catedral esculpida en la roca. Las cuevas de Ra Paulette

27/03/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández Deja un comentario

«Cuando excavo y excavo en las cuevas, descompongo todos sus movimientos en las partes más simples, para volver a ensamblarlos siguiendo los modelos y estrategias que lograrán mantener la corporeidad más eficiente. Como un bailarín, «siento» el cuerpo y su movimiento de una manera consciente.

Me gusta llamarlo «la danza de la excavación» y este es el secreto de como este anciano ha logrado conseguir todo esto.» Ra Paulette

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Este mundo necesita magia, ya os contábamos la maravillosa historia en la que el español Justo Gallego está cumpliendo su sueño de levantar una catedral con sus propios medios, un germen similar al que impulsa a este estadounidense de 67 años, Ra Paulette que está esculpiendo con sus propias manos estas 14 cuevas ocultas bajo el desierto en el norte de Nuevo México. Dos hombres y dos sueños que como el truco de un buen mago, parece increíble que sean realidad.

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El trabajo de Ra Paulette ha sido trasladado al cine en un documental de la mano de Jeffrey Karoff, el resultado es el galardonado cortometraje Cave Digger, que podéis acceder a través de este enlace cavediggerdocumentary.com

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Os invito a visitar su página y animaros a echarle una mano para continuar con esta maravillosa obra, podéis acceder a ella en el siguiente link

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Guggenheim Bilbao – El cuerpo que me lleva, Ernesto Neto

26/03/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández Deja un comentario

El artista brasileño Ernesto Neto presenta su exposición «El cuerpo que me lleva» en el Museo Guggenheim de Bilbao. Ernesto Neto es uno de los artistas más destacados ahora mismo en Brasil, desde que en 1995 comenzara a exhibir internacionalmente su trabajo, una fusión entre la escultura, el espacio y las experiencias sensoriales.

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Todo el tiempo recibimos información, pero quiero que aquí se deje de pensar. Que nos refugiemos en el arte. Pienso que no pensar es bueno, es respirar la vida

Ernesto Neto

 

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En esta exposición «El cuerpo que me lleva» Neto investiga sobre la desvinculación que existe entre el cuerpo y la mente, el hombre occidental se ha distanciado de su propio cuerpo, alejándose de lo su lado corporal y por tanto más animal. En sus esculturas apela a la sensualidad, a la corporalidad y a la reflexión, el visitante interactúa con los demás y se funde con el entorno, convirtiéndose en parte de la experiencia.

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La exposición de la obra de Ernesto Neto en el Guggenheim Bilbao, comienza en el gran vestíbulo del museo y se desarrolla a lo largo de las ocho salas de la segunda planta, con otras tantas obras. La interacción entre el visitante y la exposición se desarrolla en cada una de estas obras, desde introducirnos en ella y reunirnos en una gran sala común, hasta monumentales esculturas realizadas con el arte del ganchillo y que podemos recorrerla a través de su interior.

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Una exposición de un gran atractivo, en donde se funden la arquitectura del Guggenheim y las esculturas de Ernesto Neto, una fusión única que podemos disfrutar desde el pasado 14 de febrero hasta el próximo 18 de mayo de 2014 en el propio Guggenheim de la ciudad de Bilbao, España.

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Podéis acceder a toda la información sobre esta exposición pinchando aquí

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La Arquitectura de Shigeru Ban, Premio Pritzker 2014

25/03/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández 5 comentarios

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El premio Pritzker es el galardón más importante que se otorga cada año para honrar el trabajo desarrollado por un Arquitecto vivo, cuya obra construida demuestre talento, visión y compromiso. La obra del japonés Shigeru Ban ha sido la escogida para el premio Prtizker de Arquitectura 2014.

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Shigeru Ban es un arquitecto incansable cuya obra exhuda optimismo. Donde otros pueden percibir retos casi imposibles de superar, Shigeru Ban ve una invitación a la acción. Donde otros pueden preferir tomar un camino ya probado, él ve la oportunidad de innovar. Es además un profesor comprometido que no sólo representa un modelo a seguir para la generación más joven, sino también una fuente de inspiración.

Jurado Pritzker 2014

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Shigeru Ban nació en Tokyo en 1957 y desde muy pequeño destacó en su capacidad artística, pronto decidió que quería ser Arquitecto, aprendió el modelado estructural empleando papel, madera y bambú; y cuando descubrió el trabajo de John Hejduk, el «arquitecto de papel» decidió ir a estudiar la carrera de Arquitectura en la Escuela de Arquitectura de la Cooper Union en Nueva York, donde Hejduk era el decano.

Terminados sus estudios de Arquitectura, abre su primera oficina en el año 1985 en su ciudad natal, Tokyo. Su trabajo se ha desarrollado siempre desde una perspectiva de investigación, realizando proyectos de casas experimentales, viviendas mínimas, pabellones temporales, conjugado con un enfoque social de su trabajo, cuando ha ocurrido una tragedia, Shigeru Ban se ha ofrecido a ayudar mediante la creación de refugios, centros comunitarios o la recuperación de iglesias.

Trato de evitar detalles muy sofisticados. De hecho, intento que los detalles desaparezcan

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Para poder conocer más aún su trabajo os dejo con una selección de sus obras más singulares y os invito a investigar en el método de trabajo de este gran Arquitecto. Dentro de su obra residencial podemos destacar, entre otras muchas, los siguientes proyectos: 

Casa de Doble Tejado – Yamanashi, Japón, 1993

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Una casa cuyo objetivo es el descanso de sus propietarios los fines de semana, construdida en un terreno en pendiente, aprovecha el mismo para realzar las vistas al lago Yamanaka desde su interior. Con un presupuestos de construcción ajustado, la casa se centra en una solución estructural que permita soportar la carga de las grandes nevadas que se producen en invierno, por ello se realiza este doble techo que conforma la imagen exterior de esta vivienda.

Casa Muro Cortina – Tokyo, Japón, 1995

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Una vivienda en esquina y completamente abierta al exterior, reflejando la personalidad y el estilo de vida de su propietario. Shigeru Ban emplea para su construcción materiales modernos interpretando la tradición japonesa. En la estética de la vivienda destaca su gran «muro cortina» que abarca la primera y segunda planta, esta delgada membrana interpreta la tradición japonesa de pantallas móviles para independizar los espacios.

Casa Hanegi Forest – Tokyo, 1997

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La construcción de un edificio de apartamentos conservando los árboles existentes en la parcela, dentro de un escueto presupuesto para su edificación. La estructura se dispone en una malla triangular de 4 metros de lado que permite realizar una estructura económica y estable, al mismo tiempo que se conservan los espacios naturales para el desarrollo de la vegetación existente.

Casa Picture Window – Shizuoka, 2002

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La pureza formal y ausencia de cualquier distracción ornamental superflua, consiguen generar una perfecta armonía entre naturaleza y construcción. La gran belleza de su enclave es reforzada por el gran voladizo que enmarca la vista hacía el mar, sintiéndonos en ella como los protagonistas de un gran cuadro.

Casa Sagaponac – Long Island, EEUU, 2006

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La influencia de Mies van der Rohe está plenamente presente en cada elemento que conforma esta vivienda. Resuelta mediante un sistema prefabricado se abre a la naturaleza circundante y la incorpora como parte de sí misma a través de los grandes ventanales, incluso en la ausencia de los mismos gracias al sistema modular de apertura de ellos.

Mención especial en la obra del arquitecto Shigeru Ban es la arquitectura realizada con estructuras de tubos de papel, a continuación os dejo algunos magníficos ejemplos de estas construcciones:

Biblioteca de un Poeta – Kanagawa, Japón, 1991

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Se trata de una edificación anexa a la vivienda principal. En el proyecto de esta biblioteca Shigeru reinterpreta el pabellón Odawara que había construido un año antes y que el propietario de la vivienda había visto. En su opinión, una biblioteca realizada con papel sería el más adecuado para ser una casa para los libros que debe contener. Las estanterías se emplazan en los laterales longitudinales de la biblioteca, conformando su fachada interior, independizada de la envolvente exterior y creando un conjunto de extrema delicadeza.

Paper Dome – Bóveda de papel en Gifu, 1998

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Se trata de un lugar de trabajo al aire libre para un contratista de maderas, la estructura tendría que cubrir las inclemencias del tiempo y debía ser lo suficientemente sencilla como para ser montada por ellos mismos. El techo abovedado, tiene una altura máxima de 8 metros en su parte central y abarca un espacio de 23 metros de anchura. En la estructura se combinan los tubos de papel con barras de refuerzo de acero para soportar las tensiones y los paneles de contrachapado de madera que conforman se exterior, con un gran agujero en su centro para permitir el paso de la luz, sin poner en peligro su integridad estructural.

Pabellón de Japón en la Expo 2000 de Hannover – Alemania 

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Pese a los problemas que hubo en su construcción, el resultado final es impresionante y ha supuesto un gran avance en el campo de la arquitectura realizada con tubos de papel. El principal tema de la exposición de Hannover era el medio ambiente y el pabellón construido por Shigeru Ban representa la realización de una estructura con el mínimo residuo industrial posible, sin renunciar a una gran belleza.

Cúpula de papel en Taiwan, 2008

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La belleza de esta construcción va más allá de la estética, pues su construcción jugó el papel de centro comunitario para los vecinos afectados por el terremoto de Kobe y fué reconstruida en Taiwán.

Refugio de emergencia de papel para Haití, 2010

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Dentro de la labor social del arquitecto Shigeru Ban su trabajo con construcciones de papel permitió la construcción de 50 refugios realizados con estructura de tubos de papel y materiales locales para un grupo minoritario de víctimas del terremoto de 7,0 grados de magnitud que afecté el 12 de enero de 2010 la ciudad de Haití. Esta construcción se produce en una colaboración del arquitecto japonés con los profesores y estudiantes de la Universidad Iberoamericana y la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra de la República Dominicana.

Catedral de Cardbord – Nueva Zelanda, 2013

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La Catedral de Christchuch era un símbolo para la ciudad de Nueva Zelanda, el terremoto de febrero de 2011 causa un devastador daño y se pidió respuesta para diseñar una nueva Catedral temporal. Shigeru Ban realiza una fantástica estructura triangular con capacidad para 700 personas y realizada con una estructura de tubos de papel.

En este recorrido por la obra arquitectónica del arquitecto ganador del premio Pritzker 2014, quiero hacer una especial mención a dos de sus últimos proyectos:

Centro Pompidou-Metz en Francia, 2010

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Una estructura de extrema belleza y naturalidad en sus formas, un complejo que incluye un museo de arte y un teatro bajo su gran cubierta. El techo es construido mediante una estructura hexagonal de madera laminada y cubierto con una fina membrana de fibra de vidrio que permite la suave entrada de luz natural a su interior.

Club de golf Haesley Nine Bridges – Corea, 2010

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Sobre una base de piedra se alza una estructura de columnas de madera a modo de un gran bosque interior y cerrado por una fina cortina de vidrio.

Por último os dejo las imágenes de otros proyectos de Shigeru Ban que pronto se harán realidad y un vídeo del pabellón multiusos realizado en Madrid, España:

La Sede central de oficinas para Swacth en Suiza

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La «Cité Musicale» en París

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Pabellón multiusos ubicado en el campus de IE en Madrid construido con 173 tubos de papel.

 

 

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Ornamento y Delito, Adolf Loos. (1908) – Un escrito en pro de la actuación social de la Arquitectura

24/03/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández Deja un comentario

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El presente artículo quiere ser un pequeño homenaje a modo de recordatorio de uno de los textos que han resultado imprescindibles para la realidad de la evolución de la arquitectura en el siglo XX. La capacidad de un hombre de exaltar a una sociedad con unas pequeñas líneas, de defender la moralidad y la sensatez, de hablar de la revolución social de la Arquitectura. En el año 1908 se publica “Ornamento y Delito” escrito por el genio austríaco Adolf Loos.

Hoy más de 100 años después parece que nos hemos olvidado de ello, Loos nos habla sobre el daño que produce a una sociedad el ornamento y los detalles de «falsos lujos» en la Arquitectura, tan del gusto de muchos de los que han estado y están en el poder. El delito de despilfarrar los medios productivos en contra de la economía del pueblo.

Por eso me gustaría refrescar este artículo, porque una sociedad que olvida está condenada a cometer otra vez los mismos errores y si, por casualidad, sirviera para que alguien más arriba escuche y aprenda de lecciones pasadas, me sentiré algo más feliz. Sin más rollos os dejo con esta gran reflexión:

Oramento y Delito (1908) – Adolf Loos

El embrión humano pasa, en el claustro materno, por todas las fases evolutivas del reino animal. Cuando nace un ser humano, sus impresiones sensoriales son iguales a las de un perro recién nacido. Su infancia pasa por todas las transformaciones que corresponden a aquellas por las que pasó la historia del género humano. A los dos años, lo ve todo como si fuera un papúa. A los cuatro, como un germano. A los seis, como Sócrates y a los ocho como Voltaire. Cuando tiene ocho años percibe el violeta, color que fue descubierto en el Siglo XVIII, pues antes el violeta era azul y el púrpura era rojo. El físico señala que hay otros colores, en el espectro solar, que ya tienen nombres, pero el comprenderlo se reserva al hombre del futuro.

El niño es amoral. El papúa también lo es para nosotros. El papúa despedaza a sus enemigos y los devora. No es un delincuente, pero cuando el hombre moderno despedaza y devora a alguien entonces es un delincuente o un degenerado. El papúa se hace tatuajes en la piel, en el bote que emplea, en los remos, en fin, en todo lo que tiene a su alcance. No es un delincuente. El hombre moderno que se tatúa es un delincuente o un degenerado. Hay cárceles donde un 80% de los detenidos presentan tatuajes. Los tatuados que no están detenidos son criminales latentes o aristócratas degenerados. Si un tatuado muere en libertad, esto quiere decir unos años antes de cometer un asesinato.

El impulso de ornamentarse el rostro y cuanto se halle al alcance es el primer origen de las artes plásticas. Es el primer balbuceo de la pintura. Todo arte es erótico.

El primer ornamento que surgió, la cruz, es de origen erótico. La primera obra de arte, la primera actividad artística que el artista pintarrajeó en la pared fue para despojarse de sus excesos. Una raya horizontal: la mujer yacente. Una raya vertical: el hombre que la penetra. El que creó esta imagen sintió el mismo impulso que Beethoven, estuvo en el mismo cielo en el que Beethoven creó la Novena Sinfonía.

Pero el hombre de nuestro tiempo que, a causa de un impulso interior pintarrajea las paredes con símbolos eróticos, es un delincuente o un degenerado. Obvio es decir que en los retretes es donde este impulso invade, del modo más impetuoso, a las personas con tales manifestaciones de degeneración. Se puede medir el grado de civilización de un país atendiendo a la cantidad de garabatos que aparezcan en las paredes de sus retretes.

En el niño, garabatear es un fenómeno natural; su primera manifestación artística es llenar las paredes con símbolos eróticos. Pero lo que es natural en el papúa y en el niño, resulta en el hombre moderno un fenómeno de degeneración. Descubrí lo siguiente y lo comuniqué al mundo: La evolución cultural equivale a la eliminación del ornamento del objeto usual. Creí con ello proporcionar a la humanidad algo nuevo con lo que alegrarse, pero la humanidad no me lo ha agradecido. Se pusieron tristes y su ánimo decayó. Lo que les preocupaba era saber que no se podía producir un ornamento nuevo. ¿Cómo, lo que cada negro sabe, lo que todos los pueblos y épocas anteriores a nosotros han sabido, no sería posible para nosotros, hombres del siglo XIX? Lo que el género humano había creado miles de años atrás sin ornamentos fue despreciado y se destruyó.

No poseemos bancos de carpintería de la época carolingia, pero el menor objeto carente de valor que estuviera ornamentado se conservó, se limpió cuidadosamente y se edificaron pomposos palacios para albergarlo. Los hombres pasean entristecidos ante las vitrinas, avergonzándose de su actual impotencia. Cada época tiene su estilo, ¿carecerá la nuestra de uno que le sea propio? Con estilo, se quería significar ornamento. Por tanto, dije: ¡No lloréis! Lo que constituye la grandeza de nuestra época es que es incapaz de realizar un ornamento nuevo. Hemos vencido al ornamento. Nos hemos dominado hasta el punto de que ya no hay ornamentos. Ved, está cercano el tiempo, la meta nos espera. Dentro de poco las calles de las ciudades brillarán como muros blancos. Como Sion, la ciudad santa, la capital del cielo. Entonces lo habremos conseguido.

Pero existen los malos espíritus incapaces de tolerarlo. A su juicio, la humanidad debería seguir jadeando en la esclavitud del ornamento. Los hombres estaban lo bastante adelantados como para que el ornamento no les deleitara, como para que un rostro tatuado no aumentara la sensación estética, cual en los papúas, sino que la disminuyera. Lo bastante adelantados como para alegrarse por una pitillera no ornamentada y comprarse aquella, pudiendo, por el mismo precio, conseguir otra con adornos. Eran felices con sus vestidos y estaban contentos de no tener que ir de feria en feria como los monos llevando pantalones de terciopelo con tiras doradas. Y dije: Fijaros: la habitación en la que murió Goethe es más fantástica que toda pompa renacentista y un mueble liso es más bonito que todas las piezas de museo incrustadas y esculpidas. El lenguaje de Goethe es mucho más bonito que todos los ornamentos de los pastores de Pegnitz.

Los malos espíritus lo oyeron con desagrado, y el Estado, cuya misión es retrasar a los pueblos en su evolución cultural, consideró como suya la cuestión de la evolución y reanudación del ornamento. ¡Pobre del estado cuyas revoluciones las dirijan los consejeros! Pronto pudo verse en el Museo de Artes decorativas de Viena un bufet con el nombre La rica pesca, hubo armarios que se llamaron La princesa encantada o algo por el estilo, cosa que se refería a los ornamentos con que estaban decorados esos desgraciados muebles. El estado austriaco se tomó tan en serio su trabajo que se preocupó de que las polainas de paño no desapareciesen de las fronteras de la monarquía austro-húngara. Obligó a todo hombre culto que tuviera veinte años a llevar durante tres años polainas en lugar de calzado eficiente. Ya que todo Estado parte de la suposición de que un pueblo que esté en baja forma es más fácil de gobernar.

Bien, la epidemia ornamental está reconocida estatalmente y se subvenciona con dinero del Estado. Sin embargo, veo en ello un retroceso. No puedo admitir la objeción de que el ornamento aumenta la alegría de vivir de un hombre culto, no puedo admitir tampoco la que se disfraza con estas palabras: “Pero ¡cuando el ornamento es bonito!…” A mí y a todos los hombres cultos, el ornamento no nos aumenta la alegría de vivir. Si quiero comer un trozo de alajú escojo uno que sea completamente liso y no uno que esté recargado de ornamentos, que represente un corazón, un niño en mantillas o un jinete. El hombre del siglo XV no me entendería; pero sí podrían hacerlo todos los hombres modernos. El defensor del ornamento cree que mi impulso hacia la sencillez equivale a una mortificación. mi estimado señor profesor de la Escuela de Artes Decorativas, no me mortifico! Lo prefiero así. Los platos de siglos pasados, que presentan ornamentos con objeto de hacer aparecer más apetitosos los pavos, faisanes y langostas a mi me producen el efecto contrario. Voy con repugnancia a una exposición de arte culinario, sobre todo si pienso que tendría que comer estos cadáveres de animales rellenos. Como roast-beef.

El enorme daño y las devastaciones que ocasiona el re-despertar del ornamento en la evolución estética, podrían olvidarse con facilidad, ya que nadie, ni siquiera ninguna fuerza estatal puede detener la evolución de la humanidad. Sólo es posible retrasarla. Podemos esperar. Pero es un delito respecto a la economía del pueblo el que, a través de ello, se pierda el trabajo, el dinero y el material humanos. El tiempo no puede compensar estos daños.

El ritmo de la evolución cultural sufre a causa de los rezagados. Yo quizá vivo en 1908; mi vecino, sin embargo, hacia 1900; y el de más allá, en 1880. Es una desgracia para un Estado el que la cultura de sus habitantes abarque un período de tiempo tan amplio. El campesino de regiones apartadas vive en el siglo XII. Y en la procesión de la fiesta de jubileo tomaron parte gentes, que ya en la época de las grandes migraciones de los pueblos se hubieran encontrado retrasadas., Feliz el país que no tenga este tipo de rezagados y merodeadores. ¡Feliz América! Entre nosotros mismos hay en las ciudades hombres que no son nada modernos, rezagados del sido XVIII que se horrorizan ante un cuadro con sombras violetas, porque aún no saben ver el violeta. Les gusta el faisán si el cocinero se ha pasado todo un día para prepararlo y la pitillera con ornamentos renacentistas les gusta mucho más que la lisa. ¿Y qué pasa en el campo? Los vestidos y aderezos son de siglos anteriores. El campesino no es cristiano, todavía es pagano. Los rezagados retrasan la evolución cultural de los pueblos y de la humanidad, ya que el ornamento no está engendrado sólo por delincuentes, sino que comete un delito en tanto que perjudica enormemente a los hombres atentando a la salud, al patriotismo nacional y por eso a la evolución cultural. Cuando dos hombres viven cerca y tienen unas mismas exigencias, las mismas pretensiones y los mismos ingresos, pero no obstante pertenecen a distintas civilizaciones, se puede observar lo siguiente, desde el punto de vista económico de un pueblo: el hombre del siglo xx será cada vez más rico, el del siglo XVIII cada vez más pobre. Supongamos que los dos viven según sus inclinaciones. El hombre del siglo XX puede cubrir sus exigencias con un capital mucho más pequeño y por ello puede ahorrar. La verdura que le gusta está simplemente hervida en agua y condimentada con mantequilla. Al otro hombre le gusta más cuando se le añade miel y nueces y cuando sabe que otra persona ha pasado horas para cocinarla. Los platos ornamentados son muy caros, mientras que la vajilla blanca que le gusta al hombre es barata. Este ahorra mientras que el otro se endeuda. Así ocurre con naciones enteras. ¡Pobre del pueblo que se quede rezagado en la evolución cultural! Los ingleses serán cada vez más ricos y nosotros cada vez más pobres…

Sin embargo, es mucho mayor el daño que padece el pueblo productor a causa del ornamento, ya que el ornamento no es un producto natural de nuestra civilización, es decir, que representa un retroceso o una degeneración; el trabajo del ornamentista ya no se paga como es debido.

Es conocida la situación en los oficios de talla y adorno, los sueldos criminalmente bajos que se pagan a las bordadoras y encajeras. El ornamentista ha de trabajar veinte horas para lograr los mismos ingresos de un obrero moderno que trabaje ocho horas. El ornamento encarece, por regla general, el objeto; sin embargo, se da la paradoja de que una pieza ornamentada con igual coste material que el de un objeto liso, y que necesita el triple de horas de trabajo para su realización, cuando se vende, se paga por el ornamentado la mitad que por el otro. La carencia de ornamento tiene como consecuencia una reducción de las horas de trabajo y un aumento de suela El tallista chino trabaja dieciséis horas, el americano sólo ocho. Si por una caja lisa se paga lo mismo que por otra ornamentada, la diferencia, en cuanto a horas de trabajo, beneficia al obrero. Si no hubiera ningún tipo de ornamento -situación que a lo mejor se dará dentro de miles de años- el hombre, en vez de tener que trabajar ocho horas, podría trabajar sólo cuatro, ya que la mitad del trabajo se va, aun hoy en día, en realizar ornamentos.

Ornamento es fuerza de trabajo desperdiciada y, por ello, salud desperdiciada. Así fue siempre. Hoy significa, además, material desperdiciado, y ambas cosas significan capital desperdiciado. Como el ornamento ya no pertenece a nuestra civilización desde el punto de vista orgánico, tampoco es ya expresión de ella. El ornamento que se crea en el presente ya no tiene ninguna relación con nosotros ni con nada humano; es decir, no tiene relación alguna con la actual ordenación del mundo. No es capaz de evolucionar. ¿Qué ha sucedido con la ornamentación de Otto Eckmann, con la de Van de Velde? Siempre estuvo el artista sano y vigoroso en las cumbres de la humanidad. El ornamentista moderno es un retrasado o una aparición patológica. Reniega de sus productos una vez transcurridos tres años. Las personas cultas los consideran insoportables de inmediato; los otros, sólo se dan cuento de esto al cabo de años. ¿Dónde se hallan hoy las obras de Otto Eckmann? ¿Dónde estarán las obras de Olbrich dentro de diez años? El ornamento moderno no tiene padres ni descendientes, no tiene pasado ni futuro. Sólo es saludado con alegría por personas incultas, para quienes la grandeza de nuestra época es un libro con siete sellos, y, al cabo de un tiempo, reniegan de él. En la actualidad, la humanidad es más sana que antes; sólo están enfermos unos pocos. Estos pocos, sin embargo, tiranizan al obrero, que está tan sano que no puede inventar ornamento alguno. Le obligan a realizar, en diversos materiales, los ornamentos inventados por ellos.

El cambio del ornamento trae como consecuencia una pronta desvaloración del producto del trabajo. El tiempo del trabajador, el material empleado, son capitales que se derrochan. He enunciado la siguiente idea: La forma de un objeto debe ser tolerable el tiempo que dure físicamente. Trataré de explicarlo: Un traje cambiará muchas m ves su forma que una valiosa piel. El traje de baile creado para una sola noche, cambiará de forma mucho más deprisa que un escritorio. Qué malo sería, sin embargo, si tuviera que cambiarse el escritorio tan rápidamente como un traje de baile por el hecho de que a alguien le pareciera su forma insoportable; entonces se perdería el dinero gastado en ese escritorio.

Esto lo sabe bien el ornamentista y los ornamentistas austriacos intentan resolver este problema. Dicen: “Preferimos al consumidor que tiene un mobiliario que, pasados diez años le resulta inaguantable y que, por ello, se ve obligado a adquirir muebles nuevos cada década, al que se compra objetos sólo cuando ha de sustituir los gastados. La industria lo requiere. Millones de hombres tienen trabajo gracias al cambio rápido”. Parece que éste es el misterio de la economía nacional austriaca; cuantas veces, al producirse un incendio, se oyen las palabras: “¡Gracias a Dios, ahora la gente ya tendrá algo que hacer!” Propongo un buen sistema: Se incendia una ciudad, se incendia un imperio, y entonces todo nada en bienestar y en la abundancia. Que se fabriquen muebles que, al cabo de tres años, puedan quemarse; que se hagan guarniciones que puedan ser fundidas al cabo de cuatro años, ya que en las subastas no se logra ni la décima parte de lo que costó la mano de obra y el material, y así nos haremos ricos y más ricos.

La pérdida no sólo afecta a los consumidores, sino, sobre todo, a los productores. Hoy en día, el ornamento, en aquellas cosas que gracias a la evolución pueden privarse de él, significa fuerza de trabajo desperdiciada y material profanado. Si todos los objetos pudieran durar tanto desde el ángulo estético como desde el físico, el consumidor podría pagar un precio que posibilitara que el trabajador ganara más dinero y tuviera que trabajar menos. Por un objeto del cual esté seguro que voy a utilizar y obtener el máximo rendimiento pago con gusto cuatro veces más que por otro que tenga menos valor a causa de su forma o material. Por mis botas pago gustoso 40 coronas, a pesar de que en otra tienda encontraría botas por 10 coronas. Pero, en aquellos oficios que languidecen bajo la tiranía de los ornamentistas, no se valora el trabajo bueno o malo. El trabajo sufre a causa de que nadie está dispuesto a pagar su verdadero valor.

Y esto no deja de estar bien así, ya que tales objetos ornamentados sólo resultan tolerables en su ejecución más mísera.

Puedo soportar un incendio más fácilmente si oigo decir que han quemado cosas sin valor. Puedo alegrarme de las absurdas y ridículas decoraciones montadas con motivo del baile de disfraces de los artistas, porque sé que lo han montado en pocos días y que lo derribarán en un momento. Pero tirar monedas de oro en vez de guijarros, encender un cigarrillo con un billete de banco, pulverizar y beberse una perla es algo antiestético.

Verdaderamente los objetos ornamentados producen un efecto antiestético, sobre todo cuando se realizaron en el mejor material y con el máximo cuidado, requiriendo mucho más tiempo de trabajo. Yo no puedo dejar de exigir ante todo trabajo de calidad, pero desde luego no para cosas de este tipo.

El hombre moderno, que considera sagrado el ornamento, como signo de superioridad artística de las épocas pasadas, reconocerá de inmediato, en los ornamentos modernos, lo torturado, lo penoso y lo enfermizo de los mismos. Alguien que viva en nuestro nivel cultural no puede crear ningún ornamento.

Ocurre de distinta manera con los hombres y pueblos que no han alcanzado este grado.

Predico para el aristócrata. Me refiero al hombre que se halla en la cima de la humanidad y que, sin embargo, comprende pro- fundamente los ruegos y exigencias del inferior. Comprende muy 1 bien al cafre, que entreteje ornamentos en la tela según un ritmo determinado, que sólo se descubre al deshacerla; al persa que anuda sus alfombras; a la campesina eslovaca que borda su encaje; a la anciana señora que realiza objetos maravillosos en cuentas de cristal y seda. El aristócrata les deja hacer, sabe que, para ellos, las horas de trabajo son sagradas.

El revolucionario diría: “Todo esto carece de sentido”. Lo mismo que apartaría a una ancianita de la vecindad de una imagen sagrada y le diría: “No hay Dios”. Sin embargo, el ateo -entre los aristócratas- al pasar por delante de una iglesia se quita el sombrero. Mis zapatos están llenos de ornamentos por todas partes, constituidos por pintas y agujeros, trabajo que ha ejecutado el zapatero y no le ha sido pagado. Voy al zapatero y le digo: “Usted pide por un par de zapatos 30 coronas. Yo le pagaré 40”. Con esto he elevado el estado anímico de este hombre, cosa que me agradecerá con trabajo y material, que, en cuanto a calidad, no están en modo alguno relacionados con la sobreabundancia. Es feliz. Raras veces llega la felicidad a su casa. Ante él hay un hombre que le entiende, que aprecia su trabajo y no duda de su honradez. En sueños ya ve los zapatos terminados delante suyo. Sabe dónde puede encontrar la mejor piel, sabe a qué trabajador debe confiar los zapatos y éstos tendrán tantas pintas y agujeros como los que sólo aparecen en los zapatos más elegantes. Entonces le digo: “pero impongo una condición. Los zapatos tienen que ser enteramente lisos”. Ahora es cuando le he lanzado desde las alturas más espirituales al Tártaro. Tendrá menos trabajo, pero le he arrebatado toda la alegría. Predico para los aristócratas. Soporto los ornamentos en mi propio cuerpo si éstos constituyen la felicidad de mi prójimo. En este caso también llegan a ser, para mí, motivo de contento. Soporto los ornamentos del cafre, del persa, de la campesina eslovaca, los de mi zapatero, ya que todos ellos no tienen otro medio para alcanzar el punto culminante de su existencia. Tenemos el arte que ha borrado el ornamento. Después del trabajo del día vamos al encuentro de Beethoven o de Tristán. Esto no lo puede hacer mi zapatero. No puedo arrebatarle su alegría, ya que no tengo nada que ofrecerle a cambio. El que, en cambio, va a escuchar la Novena Sinfonía y luego se sienta a dibujar una muestra de tapete es un hipócrita o un degenerado.

La carencia de ornamento ha conducido a las demás artes a una altura imprevista. Las sinfonías de Beethoven no hubieran sido escritas nunca por el hombre que fuera vestido de seda, terciopelos y encajes. El que hoy en día lleva una americana de terciopelo no es un artista, sino un payaso o un pintor de brocha gorda. Nos hemos vuelto más refinados, más sutiles. Los gregarios se tenían que diferenciar por colores distintos, el hombre moderno necesita su vestido impersonal como máscara. Su individualidad es tan monstruosamente vigorosa que ya no la puede expresar en prendas de vestir. La falta de ornamentos es un signo de fuerza espiritual. El hombre moderno utiliza los ornamentos de civilizaciones anteriores y extrañas a su antojo. Su propia invención la concentra en otros objetos.

ORNAMENTO Y DELITO

Adolf Loos 1908 De la edición en castellano: “Ornamento y delito y otros escritos”. Gustavo Gili.- Barcelona 1972.

 

Publicado en: Maestros de la Arquitectura Etiquetado como: arquitecto, arquitectos, arquitectura, artículos, cosas de arquitectos, libros, loos

Ideas para sacar el máximo partido a nuestras escaleras

22/03/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández 1 comentario

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«Si tenéis la suerte de tener una escalera en vuestra vivienda, en el siguiente artículo podréis encontrar una serie de ideas y consejos para sacarles el máximo partido. Desde las más elegantes librerías, hasta perfectos escritorios e incluso la casita de juegos infantiles para nuestros hijos.»

Podéis acceder a toda la información pinchando aquí

 

Publicado en: Ideas y consejos sobre decoración Etiquetado como: decoración, diseño, escaleras, ideas

Instalación land art – Una valla que refleja la naturaleza

15/03/2014 Artículo escrito por Tomás Fernández 1 comentario

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El artista Alyson Shotz fue retado a crear un original diseño en la división de espacios dentro del Socrates Sculpture Park en la Long Island, EE.UU. Alyson sorprendió con la instalación de un cercado tradicional en su forma y sin embargo con la cualidad del material para reflejar su entorno, que en muchos casos casi se desvanece en el mismo.

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Como decimos la imagen de este cercado es la del típico cercado de tablas de madera terminadas en punta y sin embargo el cambio físico se produce al emplear un material a modo de espejo que lo convierte en una obra destacada del Land Art

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Esta instalación apenas se percibe cuando el sol brilla intensamente y consigue un colorido apogeo en las estaciones de primavera y otoño, reflejando la belleza de la naturaleza circundante. Gracias a la creatividad de Shotz podemos contemplar una invisible barrera, que no quiere imitar o interpretar la naturaleza, sino directamente reflejarla y convertirse en ella.

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 ¿Qué os ha parecido? ¿Os animaríais a instalar un cercado como este en vuestras casas?

Artista: Alyson Shotz
Fotografía: Jerry L. Thompson

Publicado en: Arte y Arquitectura Etiquetado como: arte, diseño, fotografia, naturaleza

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